En 2026, la seguridad digital ya no se resume en “poner un PIN y listo”. Las amenazas sofisticadas suelen entrar por los rincones más aburridos: un archivo que parece inocente, una llamada desde un número cualquiera o un enlace que se abre con demasiada confianza.

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En ese contexto, WhatsApp decidió ofrecer una opción extrema y simple a la vez: un ajuste que, con pocos toques, reduce la superficie de ataque aunque el precio sea una experiencia más “cerrada” y menos cómoda.

Qué es exactamente “Ajustes estrictos de la cuenta”

WhatsApp lo presenta como una función “tipo lockdown” que bloquea la cuenta en la configuración más restrictiva. La idea es deliberadamente binaria: o se activa el paquete completo o no se activa. Nada de elegir “solo esto sí, esto no”.

Esto lo acerca a la filosofía de otros modos de protección para personas en la mira (como el Lockdown Mode de Apple o protecciones avanzadas de Google), pero aplicado al terreno donde más duele una intrusión: la mensajería.

Qué cambia cuando se activa el “modo búnker”

Al encender Ajustes estrictos, WhatsApp modifica varias puertas de entrada típicas:

• Adjuntos y multimedia de desconocidos, bloqueados. Si el remitente no está en contactos, la app evita recibir archivos y medios, una vía frecuente de ataques.
• Llamadas de números desconocidos, silenciadas. Se reduce el margen para acoso, ingeniería social o spam insistente.
• Previsualización de enlaces, apagada. Menos información que “sale” al interactuar con links y menos exposición a rastreo indirecto.
• Privacidad más cerrada por defecto: datos como foto, “última vez”, “en línea” y otros elementos pasan a quedar más acotados a contactos.
• Restricciones extra que se activan en bloque: WhatsApp también asocia este modo a endurecer barreras contra campañas sofisticadas, con controles que priorizan seguridad sobre comodidad.

En resumen: menos “interacciones automáticas” y más fricción para cualquiera que no sea un contacto legítimo.

Para quién tiene sentido… y para quién puede ser un fastidio

WhatsApp no lo vende como una función “para todo el mundo”. El objetivo declarado son perfiles con más riesgo de ataques dirigidos: periodistas, activistas, figuras públicas o personas que manejan información sensible.

Para el resto de usuarios, puede sentirse como vivir con casco dentro de la casa: útil si hay tormenta, incómodo si lo único que llega son stickers del grupo familiar. Por eso, el valor real del modo está en su intención: reducir el daño cuando el riesgo es alto, no mejorar “un poquito” la privacidad diaria.

Cómo activarlo y qué esperar del despliegue

La función se implementa gradualmente. Para activarla, WhatsApp indica la ruta: Ajustes > Privacidad > Opciones avanzadas (o “Advanced”, según idioma).

Un detalle importante: en algunos reportes se menciona que estas opciones se gestionan desde el dispositivo principal, no desde WhatsApp Web.

El refuerzo invisible: por qué WhatsApp menciona Rust

Además del “paquete visible” de restricciones, WhatsApp también destacó un cambio técnico: el uso de Rust para reforzar partes críticas relacionadas con seguridad, especialmente donde se procesan datos potencialmente maliciosos.

La razón es clásica en ciberseguridad: Rust ayuda a prevenir clases de fallos comunes de memoria que suelen aprovechar malware y spyware.

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Dicho sin dramatismo: el modo búnker pone candados; Rust refuerza la puerta.

Cuando una consola presume “catálogo enorme”, normalmente se habla de exclusivos, acuerdos millonarios y tráilers con música épica. En el caso de Steam Deck, la historia va por otro lado: el “catálogo” se construyó como una especie de obra colectiva, hecha de parches, compatibilidad, etiquetas y una idea simple pero poderosa: que el usuario abra su biblioteca de Steam y juegue sin tener que hacer un doctorado en configuraciones.

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El resultado ya es difícil de ignorar: Steam Deck alcanzó más de 25.000 juegos catalogados como Verificados o Jugables, según el conteo que se puede filtrar en SteamDB.

La cifra: 25.000 “jugables”, pero no todos son “plug and play”

El número impresiona, pero conviene leer la letra de la etiqueta. El sistema oficial distingue entre:

• Verified: corre bien en Steam Deck “tal cual”, con controles y experiencia ajustados.
• Playable: puede requerir pequeños ajustes (por ejemplo, usar pantalla táctil en un launcher o elegir una configuración de mando).
• Unsupported/Unknown: no recomendado o sin verificación.

En la práctica, esto explica por qué la lista crece tan rápido: “jugable” no significa perfecto, significa razonable. Y a veces el usuario solo tiene que hacer un par de clics… y listo.

La receta del crecimiento: verificación + presión del mercado + comunidad terca

La gran diferencia de Steam Deck frente a otras portátiles con Windows es que Valve convirtió la compatibilidad en un sistema visible: una etiqueta que guía compras y evita sorpresas.

Ese detalle cambió el incentivo para todos.

• Para los estudios: lograr “Verified” es una buena vitrina.
• Para los usuarios: reduce el riesgo de comprar a ciegas.
• Para Valve: mejora la percepción de SteamOS y, por rebote, empuja a más gente a jugar en Linux.

A eso se suma un factor poco glamoroso pero decisivo: la comunidad. Si un juego popular aparece como “Playable”, siempre hay alguien que publica el ajuste exacto para que se sienta como “Verified”. Y con ese ciclo, el catálogo se expande aunque el hardware no cambie.

SteamOS se sale del Deck: cuando la compatibilidad se vuelve “ecosistema”

La estrategia también crece porque SteamOS dejó de ser “solo para la consola de Valve”. En 2025–2026, fabricantes como Lenovo empezaron a impulsar modelos con SteamOS (como la Legion Go S), lo que empuja a Valve a pensar en compatibilidad más allá de su propio dispositivo.

Ese movimiento tiene un efecto dominó: si SteamOS se instala en más equipos, la presión por compatibilidad aumenta, y el trabajo de verificación se vuelve más valioso.

¿Y Windows 11? El contraste que explica el entusiasmo

Sin necesidad de entrar en guerra santa, hay algo claro: en portátiles tipo handheld, Windows puede sentirse pesado, “de escritorio”, con fricción en cosas básicas como suspensión, interfaz o batería.

Ese contraste ayuda a entender por qué Steam Deck ganó fama de “enciendes y juegas”: la experiencia está pensada como consola.

La ironía es que esta batalla no se gana con marketing, sino con hábitos: si la biblioteca funciona y la experiencia es fluida, la gente se queda.

Precio y hardware: menos músculo, más optimización

La otra pieza del rompecabezas es el precio/valor. Steam Deck se vende en configuraciones con LCD y OLED, con precios oficiales en Europa que dependen del modelo (por ejemplo, 569€ para ciertas opciones OLED y más para capacidades superiores).

El punto no es solo “cuánto cuesta”, sino qué permite: jugar una biblioteca enorme sin exigir el mismo nivel de potencia (y consumo) que muchas portátiles Windows.

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Steam Deck superó los 25.000 juegos porque convirtió la compatibilidad en producto: etiquetas claras, incentivos para desarrolladores, mejoras constantes y una comunidad que no acepta un “no se puede” como respuesta final.

Durante años, el anime fue visto como un producto pensado principalmente para el público japonés, que luego “se exportaba” al resto del mundo. Pero esa era se terminó. Los números más recientes confirman que el corazón económico del anime ya no late en Tokio, sino repartido entre Latinoamérica, Estados Unidos, Europa y medio planeta más.

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Es oficial: cada reproducción en streaming, cada figura comprada y cada maratón de temporada está inclinando la balanza lejos de Japón.

Los números que lo confirman: la era del anime global

La Asociación de Animaciones Japonesas (AJA) publicó su Reporte de la Industria del Anime 2025, y los datos son difíciles de ignorar.

El tamaño total del mercado creció un 114.8% respecto al año anterior, alcanzando la cifra récord de 3.84 billones de yenes, alrededor de 24,500 millones de dólares.

Para ponerlo en contexto:

• El mercado se ha duplicado desde 2015.
• Es 3.5 veces más grande que en 2002.

En pocas palabras: el anime nunca había sido tan rentable como ahora. Lo que antes era un “nicho friki” se ha convertido en una de las industrias de entretenimiento más poderosas del planeta.

El mundo manda: el extranjero ya pesa más que Japón

La parte realmente llamativa del reporte está en la división del pastel. El mercado extranjero creció un 126% interanual, impulsado sobre todo por el streaming y las licencias internacionales.

Hoy en día:

• El mercado internacional representa el 56.5% del total de la industria.
• El consumo fuera de Japón supera al interno por unos 3,180 millones de dólares.

El año pasado la diferencia era “solo” de 624 millones. Ahora, la ventaja del mercado global es abrumadora. Eso significa que los fans de fuera de Japón son oficialmente quienes sostienen buena parte del negocio.

Con plataformas como Netflix, Disney+ y Crunchyroll empujando fuerte, el anime llega a más territorios, idiomas y públicos que nunca. No es raro que muchas producciones empiecen a diseñarse pensando desde el inicio en una audiencia internacional.

Japón se adapta: políticas, alianzas y estrategias globales

Ante este escenario, Japón no se quedó mirando desde la barrera. El gobierno y las empresas han empezado a impulsar políticas específicas para expandir el contenido japonés en todo el mundo, desde apoyo a la exportación hasta acuerdos con grandes plataformas.

Estudios como MAPPA y otros pesos pesados ya están cerrando alianzas estratégicas con servicios de streaming para desarrollar proyectos dirigidos directamente a un público global. La idea es clara: si el dinero está fuera, la estrategia también tiene que mirar hacia fuera.

Esto se traduce en:

• Historias pensadas para ser entendidas y disfrutadas por audiencias muy diversas.
• Producciones con mayor presupuesto y ambición visual.
• Calendarios y campañas de marketing coordinados a escala mundial.

¿Puede el anime seguir siendo “japonés” siendo tan global?

Con estas cifras, queda claro que el anime ha dejado de depender casi exclusivamente del público japonés. Las decisiones creativas ya no se toman solo pensando en el rating local, sino en cómo reaccionará el resto del mundo.

La gran pregunta es si este dominio del mercado extranjero hará que:

• El anime pierda parte de su esencia cultural japonesa,o
• Se convierta en algo más grande, diverso y espectacular, sin dejar de lado su identidad.

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De momento, lo que sí es seguro es que cada persona que da play a una serie desde fuera de Japón forma parte del motor real de esta industria. Y eso convierte a los espectadores globales en algo más que simples fans: son una pieza clave del futuro del anime.

La saga de Bills fue la puerta de entrada de Dragon Ball Super, pero también se convirtió en uno de los puntos más criticados por los fans por sus altibajos de animación. Años después, Toei Animation parece dispuesta a decir: “ok, vamos a hacerlo bien esta vez”. Por eso, se viene más información del remake de la saga de Bills en Dragon Ball Super, y el hype está lejos de apagarse.

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Un panel especial para Bills en el Battle Hour 2026

El sitio oficial del Dragon Ball Games Battle Hour 2026 confirmó que el próximo 19 de abril a la 1:15 PM PST habrá un panel dedicado exclusivamente al remake de Dragon Ball Super: Beerus.

No será una simple mención de paso: el evento promete traer “la información más reciente” sobre este ambicioso proyecto.

Este remake ya había sido presentado de forma inicial durante el Dragon Ball Genkidamatsuri de enero, pero hasta ahora solo se conocían detalles generales.

El panel, con unos 20 minutos de duración, suena a la excusa perfecta para soltar un nuevo tráiler y mostrar al mundo cómo se ve la saga de Bills con tratamiento actual.

No es remaster, es reconstrucción completa

Toei Animation ha dejado claro que esto no es solo ajustar brillo y contraste. No se trata de una remasterización, sino de una revisión profunda de los primeros arcos de Dragon Ball Super, comenzando por el encuentro con el Dios de la Destrucción.

Entre los puntos confirmados se incluyen:

• Cortes nuevos y extensos, que podrían añadir escenas o mejorar el ritmo de la historia.
• Revisiones de escenas existentes, corrigiendo problemas visuales que generaron memes en su día.
• Renderizado completo del metraje, con estándares modernos de color, iluminación y composición.
• Doblaje recién grabado, acompañado de partitura y efectos de sonido actualizados.
• Y lo más interesante: una reconstrucción total de la historia, lo que abre la puerta a ajustes de guion, diálogos más pulidos e incluso pequeños cambios en la puesta en escena.

En resumen: Toei parece decidida a que la saga de Bills luzca como el inicio digno de una nueva era, y no como “ese arranque flojo que luego mejora”.

¿Qué se podría mostrar en el nuevo panel?

Con solo 20 minutos, el panel no va a contar toda la historia, pero sí puede marcar un antes y un después. La apuesta más lógica es:

• Un nuevo tráiler comparando la versión de 2015 con el remake.
• Vistas rápidas de escenas clave, como el primer encuentro con Bills o la batalla de Gokú en modo Dios.
• Algún comentario del equipo de producción explicando el enfoque de esta “versión definitiva”.

La idea de fondo parece clara: reconciliar a los fans más críticos con el arranque de Dragon Ball Super y, de paso, reenganchar a quienes se bajaron del barco por culpa de la animación.

El futuro de Dragon Ball: no es solo Bills

Este remake no llega solo. Forma parte de una etapa de actividad intensa para la franquicia:

• La ya anunciada secuela Dragon Ball Super: The Galactic Patrol, que adaptará el Arco de Moro.
• El videojuego Dragon Ball: Age 1000, previsto para 2027, que apunta a explorar una nueva etapa temporal en el universo de la serie.

Por ahora, solo está confirmada la saga de Beerus dentro de este tratamiento de remake.

Sin embargo, los rumores apuntan a que el plan podría extenderse hasta la saga de Trunks del Futuro, lo que encajaría con la idea de rehacer por completo el primer tramo de Dragon Ball Super con un estándar visual mucho más sólido.

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Si todo esto se cumple, la franquicia no solo estaría mirando al futuro, sino también reparando su propio pasado reciente.

Bajo la combinación de colores “Particle Pink”, “Pearl Pink” y “Silt Red”, esta edición no solo busca capturar la tendencia de los colores pastel de 2026, sino que refuerza el uso de materiales de alta calidad, mezclando gamuza y malla técnica para elevar el diseño clásico de Tinker Hatfield a una categoría de lujo cotidiano.

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A pesar de que el mercado de las sneakers se ha volcado hacia tecnologías de impresión 3D y calzado inteligente, las Air Max 90 demuestran que la ingeniería de los años 90 sigue siendo insuperable en el gusto del consumidor. En este febrero de 2026, Nike apuesta por una construcción rica en texturas. La base del calzado utiliza una malla transpirable en “Pearl Pink”, mientras que las superposiciones de gamuza en “Particle Pink” aportan una profundidad visual que resalta la estructura lateral de la zapatilla.

El diseño se completa con detalles en “Silt Red” que se aprecian en los paneles de TPU (poliuretano termoplástico) característicos del modelo, como el logo de la marca en el talón y los ojales de los cordones. Esta elección cromática monocromática responde a la estética soft-wear que domina las pasarelas urbanas este año, alejándose de los contrastes agresivos de temporadas anteriores.

Tecnología Air: Un estándar que no necesita actualización

Fiel a su ADN, esta versión mantiene la unidad Max Air visible en el talón, encapsulada en una entresuela de espuma que garantiza la amortiguación que hizo famoso al modelo hace más de tres décadas. La suela de caucho con diseño tipo waffle asegura la tracción necesaria para el uso diario, manteniendo la funcionalidad deportiva original de la silueta pero adaptada al estilo de vida de los coleccionistas modernos.

El lanzamiento de las Nike Air Max 90 “Particle Pink” (código de estilo IM4613-600) está previsto para las próximas semanas a través de la plataforma SNKRS y tiendas seleccionadas. Con un precio estimado que ronda los 130 dólares, este modelo se posiciona como una pieza esencial para quienes buscan un equilibrio entre la nostalgia del diseño retro y la sofisticación de los materiales contemporáneos.

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